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Terz und Tentakel – Ein Quallenprojekt von Verena Meis und Aylin Leclaire

„Why don’t you eat a jellyfish pizza“ spricht die aufgrund der Meereserwärmung ansteigende Quallenpopulation an, die bereits heute Meeresbiolog:innen dazu bewegt, Quallen als Nahrungsmittel zu etablieren. Zugleich sind Quallen faszinierende Wesen: ohne Knochen, Herz und Hirn. Quallen können ihre Identität verändern – vom Polypen zur Qualle –, ihren eigenen Körper neu erschaffen und Licht erzeugen. Sie bestehen zu mehr als 90 Prozent aus Wasser, sind gewissermaßen nahezu eins mit ihrer Umwelt. Seit Millionen von Jahren treiben sie rhythmisch pulsierend durch die Meere. Unseres Erachtens stellen Quallen das perfekte Wesen dar, die Kraft von Diversität, Toleranz, Queerness, Selbstfürsorge.

Das Duo „Terz und Tentakel“ arbeitet derzeit an seinem ersten Album, dessen tentakuläre und fluide Tracks zu einem Gesamtkunstwerk, einer gelatinösen Oper transformiert werden. Verena Meis schreibt die Texte, Aylin Leclaire kreiert die Sounds. Zusammen entwickeln Sie die performativen Elemente, das Bühnenbild, die Kostüme, so dass ein Hybrid aus Musik, Theater, Konzert, Installation, Lesung entsteht.

Terz und Tentakel – A jellyfish project by Verena Meis and Aylin Leclaire

“Why don’t you eat a jellyfish pizza” hints to the rising jellyfish population due to ocean warming, which is already making marine biologists establish jellyfish as food. At the same time, jellyfish are fascinating beings: without bones, heart and brain. Jellyfish can change their identity – from polyp to jellyfish – thei can recreate their own body and generate light. They consist of more than 90 percent water, are in a sense almost one with their environment. For millions of years they’re drift rhythmically pulsing through the ocean. “We (Terz und Tentakel) think jellyfish represent the perfect being, the power of diversity, tolerance, queerness and self-care.”

The duo “Terz und Tentacle” is currently working on their first album, on which tentacular and fluid tracks are being transformed into a holistic work of art – a gelatinous opera. Verena Meis writes the lyrics, Aylin Leclaire creates the sounds. Together they develop performative elements, the stage design and costumes, resulting in a hybrid of music, theatre, concert, installation and reading.

Sculptural Rituals ist eine musikalische Erzählung, die in acht Songs den Zyklus des künstlerischen Schaffens beschreibt.

Introduction:
I’m turning towards myself
I’m scared of seeing what is inside
Look at me between palmtrees
Look at me I’m in the basement underneath
No room is nonexistent in the dark
Sparkeling lights are announcing a new adventure

I’m traveling through coordinated sequences of life
uncoordinated exesses of distruction to construct a complete space

Moving skin is moving my heart
The feelings of others are drowning me – too often –
and too often I drown mine

Sculptural Rituals is a narrative that describes the cycle of artistic creation with eight songs.

Introduction:
I’m turning towards myself
I’m scared of seeing what is inside
Look at me between palmtrees
Look at me I’m in the basement underneath
No room is nonexistent in the dark
Sparkeling lights are announcing a new adventure

I’m traveling through coordinated sequences of life
uncoordinated exesses of distruction to construct a complete space

Moving skin is moving my heart
The feelings of others are drowning me – too often –
and too often I drown mine

(Musik und Performance in Kollaboration 
mit Rebecca Himmerich)

Ein Jahr der Pandemie hat unsere Welt auf kleine Blasen reduziert, in denen wir uns ganz alleine als Teil eines Weltgeschehens wieder finden. Konfrontiert mit sich selbst, beginnen die zwei Protagonistinnen sich mit ihrer plötzlich reduzierten Umwelt auseinander zu setzen. Dabei begegnet ihnen immer wieder das Thema Veränderung oder die Abwesenheit dieser.

Jeden Tag scheint es neue Veränderungen im Pandemiegeschehen zu geben und dennoch scheint der Alltag der gleiche. Welche Rolle spielen nun Zukunftspläne, über die man sich vor der Pandemie vielleicht noch gar nicht so sicher war, die aber jetzt umso begehrenswerter erscheinen, da nicht klar ist, ob sie jemals wieder realistisch sein werden?

Das Danach scheint in der Ungewissheit zu liegen, endlos gleich ziehen sich die Tage in die Länge und die kleinen Freuden, die man wieder schätzen gelernt hat, versetzen einem einen schmerzhaften Stich. Auch scheint es, dass mit dem Fortschreiten der Zeit in der sozialen Isolation mit einer oft unsichtbaren und dadurch unfassbaren Bedrohung vor der eigenen Haustür, die eigene Realität immer surrealere Züge annimmt.

Es gilt: Vorbereiten auf das Ende und einen Neuanfang in einer Zeit, die endlos erscheint.

Die Zuschauer:innen begleiten die Protagonistinnen durch die Kreise, die sie in ihrer kleinen Blase ziehen, zwischen Verunsicherung und Mut, Neufindung und Festhalten an Altbekanntem.

(Music und performance in collaboration 
with Rebecca Himmerich)

One year of pandemic reduced our world to little bubbles, in which we find ourselves all alone as a part of world events. Confronted with themselves, in a suddenly reduces enviroment, the protagonists begin to

A year of the pandemic has reduced our world to small bubbles in which we find ourselves all alone as part of a world event. Confronted with themselves, the two protagonists begin to deal with their suddenly reduced environment. Repeatingly they keep encountering the same topic: change or the absence of these. Every day there seem to be new changes in the pandemic developement and yet everyday life seems the same. What role do plans for the future play? Plans about which one was perhaps not even sure, but now seem all the more desirable because it is uncertain whether they will even be realistic again.

The aftermath seems to lie in uncertainty, the days drag on endlessly and the little joys that you have learned to appreciate again give you a painful sting.
It also seems that as time progresses in social isolation with an often invisible and therefore incomprehensible threat on one’s own doorstep, reality takes on more and more surreal features.

The following applies: preparing for the end and a new beginning in a time that seems endless.

The spectators accompany the protagonists through the circles they draw in their little bubble, between uncertainty and courage, rediscovery and clinging to the familiar.

Installation, 5 x 5 x 6 m
Musik und Performance in Kollaboration mit Jonathan Auth

Autists and Aliens (Autist = Artist?) ist eine narrative Konzertperfomance, die eine Raumschiffinstallation als Mittelpunkt und Bühne nutzt. Sie setzt sich verspielt mit den „Popstars“ des Kunstmarktes auseinander und hinterfragt Standards und Regeln in der aktuellen Kunstszene.

Zwei Außerirdische vom Planeten Nemutib landen mit ihrem Raumschiff im K21. Ihre Forderung : „Hand over Damien Hirst!“ Damien Hirst sei ein Reptiloid, der neue Technologien an diverse Nationen liefert und sich zu diesem Zweck als Künstler tarnt. Die zwei Nemutibaner seien als “Royal Guards” zur Erde gekommen, um Hirst zu fangen und ihn zum System Suraki zu bringen, wo ihm dann der Prozess bevor steht.

Mit interdisziplinären Mitteln und Humor will die Arbeit die Betrachter:innen dazu verleiten, die Perspektive zu wechseln und Qualität nicht mit falscher Ernsthaftigkeit zu verwechseln.

Installation, 5 x 5 x 6 m
Music and performance in collaboration with Jonathan Auth

Autists and Aliens (Autist = Artist?) is a narrative concert performance, which uses a space ship installation as focus and stage. It playfully discusses the “pop stars” of the art market and questions the standards and rules of the current art scene.

Two aliens, from planet Nemutib arrive with their space ship at the K21.
Their demand: “Hand over Damien Hirst”
Damien Hirst is a reptile, who gives away new technology to various nations whiles disguising himself as an artist. The two nemutibians are Royal Guards and came to earth to catch Hirst and bring him to the System of Suraki, where his trial awaits him.

With interdisciplinary media and humor the work asks the spectator to change their perspective and not confuse quality with false seriousness.

Die Arbeit Hypervulva ist eine kinetische Skulptur, die das weibliche Geschlechtsorgan interpretiert.

The work Hypervulva is a kinetic sculpture, that interprets the female genital organ.

Bitumen – Experimental Techno
(Aylin Leclaire & Jonathan Auth)

Bitumen – Experimental Techno
(Aylin Leclaire & Jonathan Auth)

www.akademiaoper.com

Etwas muss sich ändern. Wir sind im System eingeklemmt. Kunst scheint nur noch Kunstmarkt zu sein, wenn du überleben willst. Künstler:innen schaffen fremdbestimmt. Kunst scheint nicht mehr frei zu sein.

Doch es geht ein Flüstern durch die Reihen der neuen Generation: „Wir müssen etwas ändern“.

Aber was? Und wie?

Einen Alternativvorschlag zu dieser Situation scheint es gegenwärtig nicht zu geben. Unzufriedenheit und Unwohlbefinden machen sich breit, doch diese Gefühle sind schwer zu greifen, fast unmöglich zu benennen.

Der Weg zum Erfolg scheint klar und dennoch kaum zu meistern: zuerst die Institution, dann der Markt, auf dem es nach scheinbar vorgegebenen Richtlinien zu bestehen gilt. Was ist ein/e Künstler:in und worauf sollen uns institutionelle Einrichtungen vorbereiten, wohin sollen sie uns leiten?

Welche Ideale sollen vertreten werden und WAS WOLLEN WIR ÄNDERN?

Kunst muss außerhalb des Systems entstehen, um dieses zu kritisieren „Wie frei ist die Kunst?”, lautet die dringlichste Frage in der aktuellen Kunstdebatte. Jedes System, jeder institutionelle Raum hat seine Gesetzlichkeiten, jeder Diskurs seine Regeln. Eine Gemeinschaft verkommt allzu häufig zu einem System, das Verhalten kontrolliert und Konformität schafft. Auch die Kunst ist Teil des Systems.

Welche Freiheit aber kann es für sie innerhalb des Systems Kunstakademie, Kunstmarkt, Kapitalismus, des Systems Patriarchat noch geben? Selbst, wenn sie Systemkritik für sich beansprucht, verändert und verbessert Kunst, die innerhalb des Systems entsteht und agiert, dieses nicht, weil sie, um gehört und gesehen zu werden, gezwungen ist, die Eigenschaften des Systems selbst zu übernehmen. Kunst innerhalb des Kunstmarktes ist synonym mit Letzterem. Erfolg in der Kunst ist derzeit gleichbedeutend mit Erfolg im patriarchalen Kapitalismus (Geld und Macht). “Profitiert man erst einmal von dessen Annehmlichkeiten, erscheint es unmittelbar weniger böse und korrupt als gerade eben noch.“
(Jolanda Wessel)

Die Kunstakademie Düsseldorf steht exemplarisch für viele Kunstinstitutionen

„Akademia“ ist eine experimentelle Oper, die sich mit den oben genannten Fragen und Thematiken auseinandersetzt. Sie zeigt die verschiedenen Perspektiven der unterschiedlichen Positionen im institutionellen System und beleuchtet Ideale, Vorstellungen, Ängste und die persönlichen Kämpfe. Der Rahmen für diese Diskurse ist eine Beispieldarstellung verschiedener Diskursstufen und -orte im dokumentarischen Kontext der Kunstakademie Düsseldorf.

Das Projekt „Akademia“ möchte durch die Zusammenarbeit von über hundert Künstler:innen ein konkreteres Bewusstsein für die Thematik, sowohl bei den Künstler:innen selbst, als auch in der Öffentlichkeit entstehen lassen.

Nach dem Abitur erhält Lara Wittenberg eine Zulassung zur Kunstakademie. Nach und nach lernt sie die dort wandelnden Figuren und Orte der Akademie kennen und wird sich bald in der Kluft zwischen eigenen Idealen und vorherrschendem System befinden. Was als Ort von Anarchie und Freiheit angepriesen wird, entwickelt sich für Lara nach und nach zum Schauplatz eigener Zweifel, hochschulpolitischer Machtkämpfe und Hürden, die ihrer Kunst und ihrem Freiheitsgedanken im Wege stehen.

In jedem von uns steckt ein Stück Lara

Die Besucher:innen der Oper Akademia erhalten beim Eintritt in den Malkastenpark einen Studierendenausweis der Figur Lara Wittenberg. Bei einer ersten Ansprache werden Sie von Elena Ubrig und Aylin Leclaire auf der ersten Bühne als neue Studierende der Kunstakademie begrüßt. Auch die Figur Lara Wittenberg bekommt ihre Zusage, dass sie an der Kunstakademie angenommen ist und bekundet freudig ihre Erwartungen und Hoffnungen.

Die Jahreseröffnungsfeier beginnt. Beth Stone, die neue Rektorin der Kunstakademie, stellt ihre Werte und Ideale vor, die teils auf neue Hoffnungen und Enthusiasmus, teils auf Schrecken und Empörung auf Seiten der Studierenden und Professor:innen treffen.

Nach dem Ende der Jahreseröffnung hat der/die Besucher:in nun die Möglichkeit, nach Belieben die eigene Reihenfolge der folgenden Szenen zu wählen. Er/sie kann als neue/r Student:in zunächst ins Asta-Café, ins Kolloquium der Klasse Malstein, zum Aktzeichnen bei Harald Werl gehen oder aber einer Senatssitzung beiwohnen. Lara Wittenberg, welche am Ende jeder der folgenden Szenen mit einem Monolog über die Situation reflektiert, hat hierbei ebenfalls ihre ganz persönliche Reihenfolge, die für den/die Betrachter:in auch bei anderer Reihenfolge lesbar bleibt.

Aktzeichnen bei Harald Werl

Ein paar Studierende zeichnen das Aktmodell in der Mitte des Raumes. Andere trinken Bier und beschäftigen sich anderweitig. Harald Werl sitzt Zigarre paffend auf einem Stuhl und liest Zeitung. Das Aktzeichnen ist wie der italienische Marktplatz der Kunstakademie. Dort werden Geschichten erzählt, aus vergangenen Zeiten, der aktuellen Kunstszene und dem neuesten Akademie Klatsch und Tratsch. Das Aktzeichnen ist hier das Ufer der “Traditionalisten”, ein von Männern dominierter Raum in dem es rau hergeht. Zum anderen ist jedoch ausgerechnet hier Platz für die unterschiedlichsten Charaktere. Auch Lara begibt sich zunächst zum Aktzeichnen. Nach der ersten Verwunderung darüber, dass der Raum mehr ein Männerstammtisch als eine gelehrte Aktzeichenstunde zu sein scheint, entdeckt sie, dass dieser Ort ganz besondere Reize der Grenzüberschreitung und Leidenschaft inne hält. Davon ist sie natürlich angezogen.

Kolloquium bei Professor Malstein

Professor Walter Malstein ist ein in die Jahre gekommener Künstler, der immer wieder zwischen der Rolle des weisen Künstlermeisters und dem des gescheiterten melancholischen alten Mannes schwankt. Die Studierenden versuchen sich und ihre Arbeiten vor ihm zu behaupten. Lara wohnt nun auch ihrem ersten Kolloquium bei. Zum ersten Mal begreift sie, wie wichtig ihr das künstlerische Schaffen ist und stürzt sofort in eine Krise, aus der sie sich aber bald rauszieht und mit neuen energetischen Vorsätzen und Erkenntnissen aus ihr herausgeht.

Das Asta-Café

In einem 20 Meter langen Schiff findet der/die Besucher:in das Asta-Café vor. An einer drehenden Theke sitzen die studentischen „Revoluzzer:innen“ und planen den Sturz der Obrigkeit an der Akademie. Leider verliert sich der revolutionäre Akt zumeist im Trinkgelage. Lara Wittenberg, nun schon seit längerem an der Akademie, stürmt wütend ins Café, sie hat genug von Restriktionen und Auflagen und fordert die anderen Anwesenden auf, endlich in Aktion zu treten. Sie hat Hoffnung, will etwas verändern, sieht die Problematik allerdings noch nur im Kontext der Kunstakademie.

Senatssitzung

Die hohen Professor:innen sitzen an einer langen Tafel beisammen, um gemeinsam über wichtige Aufgaben und Pläne der Akademie zu beraten und zu entscheiden. Hier findet Großes statt, so scheint es. Doch nach und nach wird klar, dass sich die Senator:innen nur in kleinkarierten Streits und Intrigen verlieren, statt für ihre Ideale zu kämpfen. Auch Lara entgeht dies nicht. Sie ist enttäuscht, dachte sie doch, sie würde hier ihre Vorbilder vorfinden. Sie begreift, dass die Problematik der Restriktion und Tatenlosigket weitgreifender ist, ein gesamtgesellschaftliches Problem ist und über die Mauern der Akademie hinaus reicht.

Das Finale

Der Kreis schließt sich. Alles wiederholt sich. Die Zuschauer finden sich nun wieder gemeinsam an der, nun gespiegelten, ersten Bühne zusammen. Ein neuer Rektor begrüßt die neuen Studierenden und stellt seine Werte und Ideale vor. Lara Wittenberg kann nicht mehr nur zusehen. Sie möchte in Aktion treten. Die Menschen wachrütteln, etwas bewegen. Doch sie kommt niemals dazu, sondern wird von allen Seiten von engstirnigen Tunnelblicken umgeben und wird zerredet, bis sie daran zerbricht und zergeht.

Der Prozess

Das Stück beschreibt unsere gegenwärtige Situation im Bezug auf künstlerische Freiheit und nimmt sich dafür Laras Perspektive zur Hand. Jede Szene stellt Laras Reflektionsgrad dar und zeigt dem/der Betrachter:in ihre Sicht auf die Situation. Dabei wird nicht einfach mit dem Finger auf die Obrigkeit gezeigt, sondern jeder/jede, als ein Teil des bestehenden Systems, wird hier kritisiert.

In einem zweijährigen Prozess haben verschiedene Formen von Arbeitsphasen stattgefunden. Über ein Jahr entwickelte Aylin Leclaire das Konzept für Akademia. Angefangen mit Interviews, die sie mit Studierenden und Absolventen:innen der Kunstakademie Düsseldorf führte, über Recherche in Zeitungsartikeln bis hin zu Literaturrecherchen (z.b. Foucault’s „die Ordnung des Diskurs“ und Gene Sharp’s Leitfaden für gewaltlose Revolutionsstrategien „von der Diktatur zur Demokratie“). Anschließend schrieb Aylin Leclaire eine Basis des Librettos.

Nun begann der kollektive Arbeitsprozess. Leclaire gründete ein Textteam, mit dem sie auf Basis des bestehenden Librettos die Oper Akademia schrieb. Nach mehreren Wochen regelmäßiger Zusammenarbeit stand das Finale Libretto.

Ein Kompositionsteam aus sechs Komponist:innen begann den Text der Oper musikalisch umzusetzen. Dafür arbeiteten Komponist:innen aus unterschiedlichsten Genres an dem Stück und formten so völlig diverse Atmosphären für die Szenen.

Die Grundlage für die Oper war gegeben. Zeitgleich zu Gesprächen mit dem Künstlerverein Malkasten begann ein Bühnen-Team, aus mehreren Künstler:innen die Arbeit an fünf verschiedenen Bühneninstallationen. Über einen OpenCall, organisiert durch das Öffentlichkeitsteam, fanden sich fast vierzig Sänger:innen und zwanzig Musiker:innen zusammen und begannen Anfang 2019 mit der szenischen und musikalischen Erarbeitung des Stücks. Elena Ubrig übernahm die Regie des darstellerischen Parts, Aylin Leclaire die musikalische Leitung. Im Mai 2019 ging es endlich in den Park. Der Aufbau der Bühnen/Installationen begann und die Proben wurden im Park an ihren vorgesehenen Spielorten abgehalten. Ein Technikteam realisierte einen komplexen Beschallungsplan auf den fünf Bühnen. Hundert Beteiligte zogen an einem Strang. Wo es noch etwas zu tun gab, gab es mehr als genug helfende Hände. Auch sorgte ein selbst initiiertes Cateringteam dafür, dass es rund um die Uhr für alle warme Mahlzeiten gab.

Nach zweijähriger Arbeit fand am 11.06.2019 die Premiere statt. Bei strahlendem Sonnenschein wanderten 200 Besucher:innen vier Stunden lang durch den Malkastenpark und erkundeten Szene für Szene. Akademia wurde insgesamt sechs Mal aufgeführt und war während der ganzen Zeit mit insgesamt 2000 Besucher:innen restlos ausverkauft.

Akademia hatte mit der Idee einer einzelnen Person, eine Oper zu machen, begonnen. Durch den teildemokratischen Arbeitsprozess, indem Aylin Leclaire für die einzelnen Teams die Organisation übernahm, als Kleber fungierte, und jedem der teilnehmenden Künstler:innen versuchte, größtmögliche Freiheit zu lassen, während sie sich um Möglichkeiten der Realisierung kümmerte, entstand ein großes und komplexes Kollektivprojekt.

Der besondere Aspekt des Projektes liegt nicht darin, dass über 100 Künstler:innen zusammen gefunden haben, um ihrem Bedürfnis nach Freiheit eine Stimme zu geben und zu kritisieren, sondern, dass hundert Menschen durch ihre Zusammenarbeit ein Gegenbeispiel zur gegenwärtigen Situation geschaffen haben bzw. einen möglichen Lösungsweg aufgezeigt haben. Dies hätte nicht geplant werden können, sondern konnte nur aus einer Mischung aus Leidensdruck, Sehnsucht, Konzept und Zusammenarbeit wachsen. Das so entstandene Kollektiv möchte weiter für künstlerische Freiheit im System kämpfen und arbeitet zurzeit an zukünftigen Strategien.

www.akademiaoper.com

Something needs to change. We are stuck in a system. Art doesn’t seem to be free anymore. Make art for the art market if you want to survive. There seems to be no alternative proposal to this situation.

But there is a whisper through the communities of a new generation: “We have to change something”.

Change what? And how?

Dissatisfaction and insecurity spread, but these feelings are
difficult to grasp, impossible to name.

The road to success seems logical but hard to master: first the institution, then the market, where we need to prove ourselves within the given guidelines. What is an artist? Which ideals should be represented? How should institutions prepare us? Where should they guide us?

WHAT DO WE WANT TO CHANGE?

“How free is art?” The most urgent question of the current art debate. Every institutional space, each system, has its own laws, its own discourse, its own rules.

But what freedom can art have within the systematised art academy, art market, capitalism, the patriarchal system?

An institution often degenerates into a system that controls behavior and creates conformity, making art a part of the system. Even if it claims to be a critique of the system art which results from the system doesn’t change or improve it, owing to the fact that to be seen or heard art is forced to use the characteristics of the system. Art within the art market is synonymous with the latter.

“Success in art is currently analogous with success in patriarchal capitalism (the desire to have money and power). If one benefits from its comforts then capitalism immediately appears less terrible and corrupt than just a moment ago.”
(Jolanda Wessel)

The artacademy Düsseldorf as an example for many art institutions

The opera “Akademia” is an experimental opera that deals with the questions and topics mentioned above. It shows the various perspectives of different positions in the institutional system and explains ideals, ideas, fears and personal struggles. The framework for these discourses is an example of different discursive contexts and locations in the Düsseldorf Art Academy. Through the collaboration with over a hundred artists, the project “Akademia” wants to create a more concrete awareness of this topic among artists themselves, as well as the public in general. After graduating from high school, Lara Wittenberg is accepted to the art academy. She gradually learns about its characters and institutions and is soon confronted with the gap between her own ideas and the ruling system. What is being praised as a place of anarchy and freedom slowly develops into the scene of her own doubts, political struggles and hurdles that stand in the way of her own art and thought.

There is a piece of Lara in each of us

Visitors to the Akademia Opera receive a Student ID entering Malkasten Park with the name Lara Wittenberg on it. During the welcoming speech by Elena Ubrig and Aylin Leclaire, on the first of five stages, the visitors are addressed as new students of the Art academy. The character Lara Wittenberg also receives her acceptance letter for the Art academy and joyfully expresses her hopes and expectations. The opening ceremony begins. Beth Stone, the new principal of the art academy, presents her values ​​and ideals which are partly received with hope and enthusiasm, partly with terror and indignation by the students and professors. After the end of the annual opening, the visitor now has the opportunity to choose their own order of the following scenes. As a new student they can visit the Asta Café, join the colloquium of Malstein’s class, participate in a life drawing class of Harald Werl or attend a Senate meeting. Lara Wittenberg reflects on the situation at the end of each of the scenes and has her own personal order, which is still readable for the viewer.

Life drawing with Harald Werl

A few students are drawing the nude model in the middle of the room, others drink beer or are otherwise busy. Harald Werl is sitting on a chair, puffing a cigar and reading the newspaper. The life drawing class is like the Italian marketplace of the art academy; there are stories being told from past times, the current art scene and the latest academy gossip. This life drawing class is the shore of the traditionalists, a rough male-dominated room. Despite the male presence, the class functions as a room for all kinds of characters and Lara chooses to join the life drawing class as her first stage. After getting over her irritation that the room seems to be more of a men’s get-together than a class for learning to draw, she discovers the very special charm to this place. She is naturally attracted to the passionate atmosphere that allows open discussion.

Colloquium with Professor Malstein

Lara is attending her first colloquium with Professor Walter Malstein, an aging artist who sways between the role of the wise master artist and the failed, melancholy old man. The students try to assert themselves and their work in front of him. For the first time she feels the importance of artistic creation in her own being and immediately falls into a crisis. By the end of the scene she pulls herself out of it, with newly won energetic resolutions and findings.

The Asta Café

The visitor will find the Asta Café (student union café) in a 20 metre long ship. The student “revolutionaries” sit at a rotating bar and are planning to overthrow the authorities at the academy. Unfortunately, the Revolutionary Act soon gets lost in binge drinking. Lara Wittenberg, who has been at the academy for a while now, enters the café in a rage, tired of the academy’s restrictions and requirements. She asks the others to finally take action; she has hope, wants to change something and sees the problem. However, Lara currently only sees these problems in the context of the art academy.

Senate meeting

The high professors are sitting around a long, narrow table, to advise and decide important tasks and plans to do with the future of the academy.  There are big things happening, it seems. But gradually it becomes clear that the senators lose themselves in petty arguments and infighting instead of fighting for their ideals. Lara observes the meeting and is disappointed, she thought here she would be meeting her role models. She understands that the problem of restriction and inaction is more far-reaching, a problem of society as a whole, one that reaches beyond the walls of the academy.

The finale

The spectator returns to the now mirrored first stage, the circle is complete. Everything has repeated itself; a new headmaster welcomes the students and introduces his values ​​and ideals. Lara Wittenberg decides she can no longer only watch and wants to take action, wake people up, make a difference. At the last moment she gets talked down by the people surrounding her and their societal tunnel vision. She breaks down and melts into the ground.

The process

The piece describes our current situation in terms of artistic freedom and takes the perspective of Lara Wittenberg. Each scene represents Lara’s reflections and shows the viewer her understanding of the situation. By positioning the piece this way we are able to show that Lara is critical of everyone as a part of the system, not just pointing fingers at authority figures.

During the two-year production process the work took shape over various phases. Aylin Leclaire developed the concept for Akademia for over a year, starting with interviews she conducted with students and graduates of the art academy Düsseldorf. Then research in newspaper articles and literature (e.g. Foucault’s “The Order of Discourse” and Gene Sharp’s Guide for non-violent revolutionary strategies “from dictatorship to democracy”). Subsequently, Aylin Leclaire wrote a base of the libretto.

Then the work started to take shape with a collective working process. Leclaire founded a text team which utilised the existing libretto written by Leclaire to write the opera Akademia. After several busy weeks of regular collaboration the final libretto was ready.

A composition team of six composers started to transform the text of the opera musically. Composers of various genres worked on the piece and gave each scene a different atmosphere particular to their style of composition.

The basis for the opera was completed. At the same time as talking to the Künstlerverein Malkasten a stage team consisting of several artists began to
work on five different stage installations.

An open call, organized by the public-media team, brought almost forty singers and twenty musicians together to start rehearsing the piece in early 2019. Elena Ubrig took over as director of performance, Aylin Leclaire as director of the music. In May 2019 we finally entered the park.

The construction of the stages / installations began and rehearsals took place in the park at their designated venues. At the same time, the technical team implemented a complex PA system on the five stages.

At this moment hundreds of participants were creating a large scale work collaboratively, if someone was needed, there were more than enough people to gladly help out. Everyone was working together, a self-initiated Catering team provided warm meals for everyone around the clock.

After two years of work, the premiere took place on June 11, 2019. In bright sunshine 200 visitors wandered through the Malkasten park for four hours and explored scene by scene. Akademia was performed six times and was completely sold out each performance (with 2000 visiotors in total).

Akademia began with the idea of ​​one person to make an opera. Through the partially democratic work process, Aylin Leclaire organized the individual teams, functioning as a kind of glue for the process. She gave each of the participating artists as much freedom of expression as possible, while taking care of the possibilities of realisation and over time a large and complex collective project emerged.

The special aspect of the project is not that over one hundred artists have gathered to raise their voice to express the need for freedom and criticality, but that one hundred people, through their strong cooperation, have given a counterexample to the current situation and demonstrated a possible solution. This cooperation could not be planned, it only grows from a mixture of desire, suffering, concept and teamwork.

The collective established itself in this project and wants to continue to fight for artistic freedom and is currently working on future strategies.

Plastik 
Kunstharz, LED-Licht, Sound, 11,50 x 5,20 x 3,40 m

„Zentrum“ ist eine skulpturale Installation aus Kunststoff, Glasfaser, Licht und Sound. Das Zentrum der Skulptur befindet sich in der Mitte einer organischen Säule, wo Licht wie ein Herz pulsiert. Es reagiert auf Rhythmen und Klicks, die von Lautsprechern außerhalb der Skulptur wiedergegeben werden.

Lange Tentakel suchen sich von beiden Enden der Säule einen Weg durch den Raum und scheinen diesen zu erobern.

Das zentrale Licht reagiert außerdem auf „Soundscapes“, die hin und wieder von Lautsprechern innerhalb der Skulptur wiedergegeben werden. Diese „Soundscapes“ sind verzerrte Aufnahmen verschiedener sozialer Situationen. Sobald der/die Betrachter:in den Raum betritt, tritt er/sie in einen Dialog mit der Skulptur.

Die Skulptur reagiert ebenfalls auf Geräusche, die von den Betrachter:innen produziert werden, wodurch für die Betrachter:innen kein Raum bleibt, sich diesem Dialog zu entziehen.

“Zentrum” (centre) is a sculptural installation made of plastic, fiberglass, light and sound. The centre of the sculpture is a thin part in the middle of a trunk which pulsates with light like a heart. It responds to the rhythms and clicks audible from the corners of the room around the sculpture.

Long tentacles searching for ways through the room towards the corners, growing out of the top and the bottom of the trunk and conquering the space. The ‘centre light’ also responds to the occasionally occurring soundscapes, audible from the very inside of the sculptures. These soundscapes are modifications of different social situations.

Visitor entering the sculpture’s space find themselves in a non-verbal communicative exchange with the sculpture, as it also reacts to sounds they produce and leaves no space to escape this dialog.